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La Máquina de Hacer pájaros

Carlos Cutaia: teclados
Charly García: teclados y voz
Gustavo Bazterrica: guitarra
José Luis Fernández: bajo
Oscar Moro: batería

La Máquina de Hacer Pájaros es la banda de Charly García tras la disolución de Sui Generis. Es un proyecto novedoso que abandona el folk tan exitoso del dúo para orillar el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).

«En este grupo hacía lo que me gustaba», recuerda Charly. Influenciado por en rock "elaborado" de Steely Dan y el sinfonismo de Genesis, Charly García logró dar forma a una de las mejores bandas argentinas en el género. «Eramos el Yes del subdesarrollo», sintetiza García. Pero, en aquella época, ninguno de los dos LPs de La Máquina de Hacer Pájaros alcanzaron el éxito anhelado, sino que debieron esperar un tiempo para ser reconocidos. La Máquina fue el intento más complejo y profundo de rock sinfónico en la Argentina, y en él, García introdujo la novedad de dos tecladistas simultáneos. Quizás este nuevo estilo fue la mayor barrera entre el grupo y el público, habituado a Sui Generis.

La Máquina de Hacer Pájaros se disolvió por problemas internos hacia 1977. Charly recuerda: «Yo me separé de La Máquina después de un show. Terminó y me fui a un hotel, en donde estaba Zoca - ya por entonces su mujer - y nos dimos manija para ir al Brasil. Yo había empezado a escuchar a Milton Nascimento y su música me dio vuelta la cabeza» (Chirom, pág 30).

El Festival del Amor fue la última presentación de La Máquina, en un colmado Luna Park, el 11 de noviembre de 1977, donde compartieron en set con Mestre, Gieco, Porchetto, Gustavo Santaolalla, los hermanos Markoff y otros. Entre los músicos que formaron parte de la banda en este recital estuvieron David Lebón, la base acústica de Sui Generis (Rinaldo Rafanelli - Juan Rodríguez), Aníbal Kerpel y Pino Marrone, estos dos últimos del grupo Crucis. Uno de los hechos salientes del recital fue la hermosa versión que hicieron del tema "Volver a los diecisiete", de Violeta Parra, que no encontró mucha respuesta en un público bastante reticente a la música folklórica.

Charly García, tras un intento fallido de formar la Banda del Amor con Lebón y otros músicos, convence a éste de viajar a Brasil para darle forma al proyecto Serú Girán.
http://www.rock.com.ar/bios/0/361.shtml

1976 - La Maquina de Hacer pajaros


01 Bubulina
02 Cómo mata el viento norte
03 Boletos, pases y abonos
04 No puedo verme más
05 Rock and roll
06 Por probar el vino y el agua salada
07 Ah, te vi entre las luces

Primer disco

Pass:www.todoalbums.net

"Artaud" de Spinetta (Pescado Rabioso) 1973

Bien, me puse a escucharlo... voy por el tema 2 "Cementerio Club" por la frase que dice " QUE SOLO Y TRISTE VOY A ESTAR EN ESTE CEMENTERIO, QUE CALOR HARÁ SI VOS EN VERANO." y creo que casi sentiría gusto de estar en un cementerio (se refiere a una carcel) en verano a la noche si sea escuchando una cristalino e inspirado punteo con la strato por el flaco Luis Alberto Spinetta .
Ese recoveco de espacio vacío que tiene este y todos los temas de Artaud, es el que yo siento que me dejó para que me sumerga en él, y eso hacen los grandes discos, nos dejan un lugar para sentirnos parte del mismo. Es una idea abstracta y personal, pero simple: todas las imágenes que te surjen en la cabeza,(léase divagues mentales, mientras se disfruta) las palabras que logres retener entre tantas, lo que merezca ser escuchado para ser mejor comprendido ó mas valorado, es el espacio al que me refiero.
Yo nunca escuché a Spinetta en mas puro estado, no creo que haya otro momento mas conmovedoramente intimista en la carrera de Luis Alberto, y creo que sólo es comparable al de Invisible "El Jardín de los presentes". Pero, en Artaud está bastante más solo que en otros discos, con la tecnología de hoy día lo pudiera grabar solo en su casa tranquilamente, y seguro sonaría mejor. Eso me hizo recordar a el único punto flojo que yo creía haberle encontrado en un principio: la mezcla dispareja del sonido técnicamente hablando. Me equivoqué en juzgar algo tan trivial como si una batería o bajo suena mas adelante o menos... Cuando un disco es tan increiblemente homogeneo compositivamente, tan redondo en su concepción, podría haber sido hecho con un grabador de periodista e igualmente nos haría poner la piel de gallina.

El sobre de Artaud no era cuadrado como todo sobre que contiene un disco redondo, sino deforme; una suerte de estrella de cuatro puntas, color verde y amarillo. Luis se dió cuenta que no era un disco más, y quizás intentó hacerlo notar estéticamente.

Ese formato del sobre contenedor del disco es tan inusual y deforme como la letra del tema 3 "Por" :
ARBOL / HOJA / SALTO / LUZ / APROXIMACION / MUEBLE / LANA / GUSTO / PIE / TE / MAR / GAS / MIRADA / NUBE / LOBA / DEDO / CAL / GESTICULADOR / HIJO / CAMA / MENTA / SIEN / REY / FIN / SOL / AMIGO / CRUZ / ALGA / DADO / CIELO / RIEL / ESTALACTITA / MIRADOR / CORAZON / HOMBRE / RAYO / FELPA / SED / EXTREMIDAD / INSOLACION / PARECER / CLAVO / COITO / DIOS / TEMOR / MUJER / POR. Para mí son imágenes con música, de cada palabra yo me quedo con muchas sensaciones, es un entrenamiento para la memoria asociativa? un rompecabezas que debemos armar? Yo lo pude armar a mi gusto, cosa que recomiendo que intenten hacer.

"Todas las hojas son del viento" es una forma optimista de comenzar este disco: las hojas son libres, pero el viento las lleva hacia donde quiere, pero si hay algo que expresa libertad es el mismo viento, y nosotros seríamo frágiles hojas que nada podemos hacer si el viento nos quiere llevar, yo me quedo con ese mensaje. Paul Mc Cartney sonrojaría al escucharlo y pensar en su "Déjalo Ser", vamos a darle crédito al Británico por haberlo escrito antes y por ser quien és.
Y hablando de optimismo "Bajan" es un himno, una oda "TENGO TIEMPO, PARA SABER SI LO QUE SUEÑO CONCLUYE EN ALGO, NO TE APURES YA MAS LOCO" Los 70s... algunos dicen que fueron muy oscuros, y quizás tengan razón, más en nuestro país, así que esto tiene un doble valor a mi entender. Musicalmente también yo creo captar ese mensaje, ese MI 6 es alegre, tiene un propósito, Luis sabe y supo siempre como pocos, el efecto que los acordes y sus combinaciones producen en el que escucha.
La Sed Verdadera, una letra que remite a una situación de la vida privada del flaco, es una melodía encantadora, que se compenetra totalmente en el sonido del disco, este junto a Superchería, son temas para disfrutar como parte del todo y que a mi no me dejan mucho mas lugar que eso, musicalmente excelentes, pero claro que si estamos hablando de Artaud, de otra manera tendrían que haber sido descartados.

A lo que se llama Obra Maestra en esta Obra Maestra es al tema "Cantata de Puentes Amarillos" quizás la letra que más me cueste comprender de todas, ya que está basada en las Cartas a su hermano Theo, de Vincent Van Gogh. Una extraña (otra cosa extraña más...) fuente de inspiración que utilizó Luis acá, y que a mí no hace otra cosa que nuevamente crearme muchas imagenes, hacerme carburar la cabeza de muchas maneras, "AUNQUE ME FUERZEN YO NUNCA VOY A DECIR / QUE TODO EL TIEMPO POR PASADO FUE MEJOR / MAÑANA ES MEJOR" y todas esas guitarras que van entrelazandose a o largo de 9 minutos de sólo genialidad, quizás la influencia de Stairway To Heaven ronde por acá, pero habría que pensar en Spinetta grabando todas las guitarras él solo y en la complejidad armónica tan variada que emplea. Se convierte en el punto más alto de Artaud, además de esa tensión que no deja a uno que se disperse en casi toda la duración del tema.
Atarosta El Idiota, "a la hora de ponerle un título me acordé de Starosta que, para mí, es el nombre de un idiota. Nadie se puede llamar así. Imaginate que Spinetta se parece bastante a Starosta... como si fuera un Spinetta exagerado que termina siendo un idiota. En la canción le hablo a esa parte idiota que tengo: “no llores más, ya no tengas frío / no creas que ya no hay más tinieblas”.
Esa parte idiota no se nota nunca en lo musical seguramente, es esta otra magistal progresion de acordes y melodía con la acertadisima intervención de un piano para romper con la exclusividad de guitarras.

"Las Habladurías Del Mundo" es el tema más rockero de Artaud, Spinetta demuestra que también es un excelente e inspirado guitarrista, y la letra se remite a lo que a él como figura pública le sucedía en ese momento, a las cosas que la prensa hablaba de él.
Un cierre muy "polenta" (palabra de aquellos tiempos)

Por si hubiera dicho poco en sus letras y música en Artaud, como si acaso le faltase agregar algo para que su creación sea genial, Spinetta justifica de esta manera su disco:
“La idea del álbum era exponer la posibilidad de un antídoto contra lo que opinó Artaud. Quien lo haya leído no puede evadirse de una cuota de desesperación. Para él la respuesta del hombre es la locura; para Lennon es el amor. Yo creo más en el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor que mediante la locura y el sufrimiento. Creo que sólo si nos preocupamos por sanear el alma vamos a evitar distorsiones sociales y comportamientos fascistas, doctrinas injustas y totalitarismos, políticas absurdas y guerras deplorables. La única forma de hacer subir el peso es con amor.
Eso es todo por hoy, si querés saber más poné Spinetta en el buscador de abajo y averiguá mas de la realmente vasta carrera de uno de los 2 ó 3 mas grosos compositores del rock argentino.

El segundo disco de Queen (1974)

Lo que realmente me importaba cuando tuve Queen II en mis manos era descubrir las primeras épocas de una banda que ya me había robado el corazón de alguna manera y de la que yo percibía algo místico, quería escuchar la voz de Freddie Mercury más joven, conocer sus comienzos donde todo sería mas puro; en los 70, donde no era necesario escribir hits. Aunque sé que Freddie tenía un especie de talento pop, en esos primeros discos se ve mucha libertad, mucha creatividad, claro que era la época del rock progresivo y estaba de moda hacer temas muy largos y con muchas partes, pero cada banda tenía su peculiaridad y creo que Queen aportaba su magia en el sentido de hacerte emocionar, de sus sonidos mas allá de lo que tocaba. Dos elementos totalmente genuinos tuvo siempre esta banda y ya son conocidos por todos.. la voz de Mercury y la guitarra de Brian May.

La primera vez lo escuché un poco por arriba, sólo recuerdo que yo buscaba el tema Stone Cold Crazy que ya conocía de el video "Rare Live" pensando que era de ese album, y un poco me decepcioné, pero tengo muy claro el momento cuando sonó The March Of The Black Queen, la parte que dice "Now I've got a belly full, you can be my sugar baby, you can be my honey chile, yes" y siempre que pongo ese tema me hace recordar a ese momento, es íncreible eso cuando pasa, como si fuese una puertita, un pequeño punto de conexión que te hace recordar todo lo que pensaste, no estaba en tu mente. Ok basta de hablar de mis sentimientos, quiero contar porque este es un discazo para mí, y es eso es dificil...

El disco obviamente es el segundo de Queen, y salió editado en marzo de 1974, el tema 1 es "Procession" un tema instrumental en que se luce claramente el truco que tantas veces usa Brian May en el estudio: el de multiples pistas de guitarra armonizadas, es algo asi como una marcha fúnebre, pero con más pompa creo yo, una melodía bastante optimista a pesar de todo y que enganchaba bien con el 2do tema Father To Son, otro de Brian May, (ahora esto me hace acordar que el disco tenía una clara division: la cara A era" White" y con temas de may mas uno de Taylor, y la cara B "Black" con todos temas de Freddie). Ese segundo tema en un comienzo me pareció algo aburrido, pero una vez que que me familiarizé con la melodía me gusto mucho, en realidad creo que debería ser mas corto, quizás que durase tanto lograba que yo esperase con mas ansias el siguiente track.

White Queen (As It Began) es el punto mas alto de Brian en este disco un hermoso tema lento, con una dulce voz, y que después se pone más y más emotivo, con solo de... sitar? creo que es un sitar, un gran momento del disco. El tema 4 es Some day one day: una especie de gema oculta, algo que descubrí un tiempo después, que es una gran melodía y muy linda letra. El 5 y ultimo del lado A es The Loser in the End, un tema de relleno que realmente no cuaja mucho con el disco, y creo que está ahí por ser Queen una banda democrática, a pesar de eso a mi en los primeros tiempo me gustó, mas que nada por su sonido. Aclaro que digo lado A y B porque asi salieron originalmente, asi eran los discos, y las bandas jugaban con eso, siempre tenía algun significado la posicion de los temas, para mi el tema 1 de la cara B debia ser seguramente en muchos casos el descartado como opcion para abrir el disco... o al menos se buscaba algún resultado similar. En este caso abre Ogre Battle con mucha potencia, un riff de guitarra que increiblemete y para mi asombro, lo creó Mercury. Todos los temas de Freedie tienen un idea conceptual en las letras, de estilo medieval, dicen que la inspiración la sacó de un cuadro, todavía no pude corroborar eso.

Después de eso llega una real obra maestra: The Fairy Fellers Master Stroke, esta pieza que suena tan barroca como todo el disco, es para mí como la escencia de lo que es el sonido de este disco, junto con "the march.." está repleto de detalles, muchos aparecen por ambos canales y es necesario escucharlo varias veces para encontrarlos. La verdad es que cada vez que lo escucho encuentro algo nuevo por mas minimo que sea, algo que no le había prestado atención. The Fairy Fellers.. es un muy lindo tema, tiene una producción excelente, y no encuentro palabras para explicar ese misticismo que tienen este tipo de temas para mi, sigue el track 8 Nevermore, que es una hermosa balada, cortita y de un estilo que augura lo que Mercury de ahí en adelante haría en su carrera, sentarse al piano y componer junto con su voz increibles y emotivas melodías. El tema 9 The March Of The Black Queen es directamente el punto más alto del disco que debió llamarse con ese titulo a mi parecer, una pieza con diferentes partes, que creo que fue un entrenamiento para más tarde hacer cosas como Bohemian Rhapsody y Millonaire Waltz, ó quizás no.. De lo que estoy seguro es que acá la banda muestra una producción excelente, no solamente instrumental, (porque muchas bandas de la época tenían este tipos de temas largos de intrincados arreglos, pero a veces compositivamente no le podían dar peso a el tema completo). Queen logró siempre haya casi nada de cuelgue, de relleno, ni atmosferas, nada artificioso; iban echando todo lo que tenían, una cosas tras otra sin escatimar, eso te mantiene siempre mas atento, salvo Pink Floyd, muchas bandas pecan con eso y hacen muchos temas medio plomizos... igualmente hay ciertas partes de temas de Floyd que yo sigo convencido que se daban la libertad en colgarse pero por capricho, no por pensarlo fríamente, perdón... no es bueno comparar bandas.. cada una tiene lo suyo. En fin, con "the march..." Queen llega muy alto... A este tema le sigue una especie de coda rara "Funny How Love is" un track algo intrascendente y que realmente no deja mucho para analizar, es agradable... hasta ahí...

Seven Seas Of Rhye es un cierre espectacular para un disco espectacular, ese comienzo de piano tan caracteristico, y esa voz endemoniada, pero hermosa, con guitarras que sobrevuelan, "You are mine I possess you, I belong to you forever, ahhhhh" genial, al menos a mi me tocan una fibra emotiva que no se donde está, pero esas cosas tan simples lo logran. Siempre lo pensé.. debe ser la voz de Freddie Mercury que todo lo que cantaba lo convertía en hermoso, junto a la guitarra de May, debe ser eso... una fantasía, un engaño, ("con esa voz quien no compondría cosas geniales??").

Si dije todo eso de este disco, no imagino lo que tendria que hablar de A Night At The Opera.. pero no es tan asi... yo con los primeros 6 discos de esta banda no hago diferencias , me parecen todos hermosos y en algun momento me gustaría escribir sobre los que faltan, empecé por el comienzo (redundate un poco) cronológico de mis descubrimientos sobre Queen.